클로드 모네

클로드 모네는 1840년 11월 14일, 프랑스 파리에서 식료품상의 아들로 태어났다. 다섯 살 때 가족은 노르망디 지방의 항구 도시 르아브르로 이주했다. 그는 학교 교육보다는 자연 속에서 보내는 시간과 그림 그리기를 더 좋아했으며, 특히 만화와 풍경 스케치에 재능을 보였다. 15세 무렵부터는 풍경화가 외젠 부댕을 만나 야외에서 자연을 직접 관찰하며 그리는 플레네르의 중요성을 배웠다. 부댕은 그에게 "빛과 공기의 진실한 느낌"을 포착하도록 가르쳤고, 이는 모네의 예술 인생에 결정적인 영향을 미쳤다.

그의 재능을 알아본 고모의 지원으로, 모네는 1859년 파리로 가서 스위스 아카데미에서 공부하기 시작했다. 그는 정규 미술 교육보다는 루브르 박물관에서 거장들의 작품을 모사하거나, 몽마르트르의 카페에서 당대 예술가들과 교류하는 데 더 많은 시간을 보냈다. 1861년부터 1862년까지는 군 복무를 위해 알제리에 체류했으며, 이곳의 강렬한 빛과 색채는 그의 시각에 깊은 인상을 남겼다.

귀국 후, 모네는 역사화 중심의 전통 미술 교육 기관인 에콜 데 보자르 대신, 샤를 글레르의 자유로운 아틀리에에 들어갔다. 여기서 그는 피에르오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬레, 프레데리크 바지유 등과 친교를 맺었으며, 이들은 모두 이후 인상주의 운동의 핵심 인물이 되었다. 이 시기 그의 초기 작품들은 아직 전통적인 구도를 따르기도 했으나, 이미 밝은 색채와 자유로운 붓터치를 통해 현대 생활과 자연의 순간을 포착하려는 시도를 보여주었다.

1870년대 초, 클로드 모네는 피에르오귀스트 르누아르, 카미유 피사로, 알프레드 시슬레 등 젊은 예술가들과 함께 정기적으로 만나며 작품과 이론을 논의했다. 이들은 살롱 드 파리의 보수적 심사 기준에 반발하며 새로운 예술적 접근을 모색했다. 1874년, 이들은 나다르의 사진관에서 독립 전시회를 열었고, 모네의 작품 〈인상, 해돋이〉는 전시회와 그룹 전체의 명칭을 제공하는 계기가 되었다[2].

모네는 1874년부터 1886년까지 열린 8번의 인상주의 그룹 전시회 중 처음 네 번에 참여했다. 그의 작업은 전통적인 명암법 대신 순간적으로 포착된 빛과 색채의 효과를 강조했으며, 이는 그룹의 핵심 미학 원칙이 되었다. 그러나 1880년대 중반 이후 모네는 점차 그룹 전시회에서 멀어져 개인적 탐구에 집중했지만, 그의 예술적 실험은 인상주의 운동의 정신을 가장 극단적으로 구현한 것으로 평가받는다.

1883년, 모네는 파리에서 북서쪽으로 약 80km 떨어진 지베르니 마을에 정착했다. 그는 처음에는 집을 임대했으나, 1890년에는 경제적 성공을 바탕으로 그 집과 주변 토지를 구입했다. 이곳에서 모네는 생애 마지막 40여 년을 보내며 가장 독창적이고 대규모인 작품들을 창조했다.

지베르니에서 모네의 주요 관심사는 정원 조성이었다. 그는 집 앞의 화원을 직접 설계하여 꽃밭을 조성하고, 1893년에는 인근 루 강의 지류를 끌어들여 넓은 연못과 일본식 다리를 만드는 대규모 공사를 단행했다. 이 수련 연못은 그의 후기 작품 세계의 핵심이 되었다. 모네는 이 정원을 하나의 살아있는 예술 작품이자, 그림의 유일한 모델로 삼았다.

20세기 초반, 모네는 백내장으로 시력이 급격히 악화되는 건강 문제에 직면했다. 1923년 수술을 받은 후 색채 지각이 변화했지만, 그는 죽기 직전까지 작업을 멈추지 않았다. 그의 후기 작품은 형태가 더욱 해체되고 색채가 강렬해지며 거의 추상에 가까운 경향을 보인다. 특히 대형 벽화 시리즈인 '수련' 연작은 그의 예술적 집대성이자, 추상표현주의를 예견하는 작품으로 평가받는다.

모네는 1926년 12월 5일, 지베르니의 자택에서 폐렴으로 사망했다. 그의 유해는 지베르니 교회 묘지에 안장되었다. 그의 집과 정원은 1966년 그의 아들 미셸 모네에 의해 프랑스 아카데미 데 보자르에 기증되었고, 1980년대 복원을 거쳐 현재 '클로드 모네 재단'에 의해 박물관으로 관리되며 대중에게 공개되고 있다.

클로드 모네의 예술은 빛과 색채의 변화를 끊임없이 관찰하고 포착하는 데 중점을 두었다. 그는 대상의 고정된 형태나 색보다, 빛의 조건에 따라 순간적으로 변하는 색채의 인상을 화폭에 담는 것을 추구했다. 이를 위해 모네는 같은 대상을 다른 시간대, 다른 계절, 다른 날씨 조건에서 반복적으로 그리는 방식을 채택했다. 예를 들어, 건초더미 연작이나 루앙 대성당 연작에서는 동일한 주제가 아침, 정오, 저녁, 안개, 햇빛 속에서 어떻게 전혀 다른 색채와 분위기를 띠는지 보여준다.

모네는 특히 보색 관계를 활용하여 색채의 생동감과 빛의 느낌을 극대화했다. 그림자에 단순한 검은색이나 회색을 사용하지 않고, 주변 환경에서 반사되는 빛의 색을 관찰하여 파란색, 보라색, 녹색 등의 다양한 색채로 표현했다. 이는 대상의 고유색보다 빛에 의해 지각되는 순간의 색, 즉 '시각적 혼합'의 효과를 중시한 결과였다. 그의 붓터치는 빠르고 분리되어 있으며, 나란히 놓인 순색의 작은 터치들이 관찰자의 눈에서 혼합되어 빛나는 효과를 만들어낸다.

이러한 접근 방식은 전통적인 명암법을 거부하고, 색채 자체로 형태와 공간, 빛을 구성하는 인상주의 회화의 핵심 원리를 보여준다. 모네의 빛과 색에 대한 탐구는 후기 작품인 지베르니 정원의 《수련》 연작에서 절정에 이르렀다. 이 시리즈에서는 물의 표면, 반사되는 빛, 수중의 식물이 만들어내는 색채의 환영 자체가 유일한 주제가 되었다.

클로드 모네는 단일 순간의 시각적 인상을 포착하는 데 집중했다. 그는 같은 주제를 다른 시간대, 다른 계절, 다른 기상 조건에서 반복적으로 그리는 시리즈 작업을 통해 이 개념을 극대화했다. 이 접근법은 단순히 풍경을 재현하는 것이 아니라, 빛의 변화가 주제의 색채와 형태에 미치는 순간적 효과를 기록하는 것이 목적이었다.

그의 대표적인 시리즈로는 건초더미 연작, 루앙 대성당 연작, 런던 의회 의사당 연작, 그리고 가장 유명한 수련 연작이 있다. 예를 들어, 건초더미 연작에서는 같은 두 개의 건초더미를 아침, 정오, 저녁, 여름, 가을, 겨울 등 다양한 조건 아래에서 그려 빛의 흐름에 따른 색채의 변주를 보여주었다. 이 작업들은 단일한 '진실'이 아니라 무수히 많은 시각적 인상이 존재함을 보여주었다.

이러한 시리즈 작업 방식은 모네의 예술적 진화를 보여준다. 초기에는 비교적 짧은 시간 안에 완성된 캔버스를 사용했으나, 후기로 갈수록 여러 캔버스를 동시에 진행하며 순간의 조건에 맞춰 작업하는 방식으로 발전했다[3]. 이를 통해 그는 대상의 고정된 형태보다는 그것을 감싸는 빛과 색의 순간적 '인상' 그 자체를 최종 주제로 삼았다.

클로드 모네는 인상주의의 핵심 원칙 중 하나인 플레네르(야외 제작)를 가장 적극적으로 실천한 화가이다. 그는 자연의 순간적인 빛과 색채를 포착하기 위해, 가능한 한 작업의 전 과정을 야외에서 완성하는 것을 고집했다. 이는 당시 아틀리에(작업실)에서 완성작을 그리는 것이 일반적이던 관행에 대한 도전이었다.

모네는 캔버스, 이젤, 휴대용 팔레트를 들고 직접 자연 속으로 나아갔다. 그는 같은 풍경을 다른 시간대, 다른 기상 조건에서 반복적으로 그려 빛의 변화가 주는 효과를 연구했다. 이를 위해 그는 종종 여러 캔버스를 동시에 준비해 두고, 해의 위치나 날씨가 변함에 따라 작업하는 캔버스를 바꾸는 방식을 사용했다. 그의 야외 작업은 빠른 붓 터치와 함께, 스케치보다 완성에 가까운 완결성을 지향했다.

이러한 플레네르 실천은 모네의 독특한 기법을 발전시켰다. 그는 빠르게 변화하는 빛을 따라잡기 위해 신속한 붓질과 색채의 병치(나란히 배열)를 사용했으며, 세부 묘사보다는 전반적인 색채의 인상을 캔버스에 담아내는 데 집중했다. 그의 야외 작업 방식은 인상주의 동료 화가들에게 깊은 영향을 미쳤으며, 이후 미술사에서 자연을 직접 대면하는 중요한 창작 방법으로 자리 잡았다.

클로드 모네의 〈인상, 해돋이〉(프랑스어: Impression, soleil levant)는 1872년 혹은 1873년에 제작된 유화 작품이다. 이 작품은 르아브르 항구의 아침 안개 속을 떠오르는 붉은 태양과 그 빛을 받은 물결, 그리고 어렴풋이 보이는 배들과 굴뚝의 실루엣을 담고 있다. 모네는 빠르고 자유로운 붓질로 순간적인 풍경과 빛의 인상을 캔버스에 포착했다.

이 작품은 1874년 파리에서 열린 첫 번째 인상주의 전시회에 출품되었으며, 전시회의 이름이 '인상주의'로 불리게 된 직접적인 계기를 제공했다. 당시 비평가 루이 르로이는 이 그림의 제목에서 착안해 전시회를 조롱하는 의미에서 '인상주의자들의 전시회'라고 불렀고, 이 명칭이 이후 예술 사조의 명칭으로 정착했다[4].

〈인상, 해돋이〉는 모네의 예술적 핵심인 플레네르(야외 제작)와 순간적 빛의 효과에 대한 집착을 잘 보여준다. 형태보다는 색채와 빛의 인상을 전달하는 데 주력한 이 작품은, 당시 지배적이던 아카데믹한 회화 관념에 정면으로 도전하는 것이었다. 모네는 명확한 윤곽선을 배제하고, 서로 다른 색채의 짧은 붓터치를 병치하여 시각적으로 혼합되게 함으로써, 안개 낀 아침 공기의 질감과 물 위에 반사되는 빛의 떨림을 생생하게 전달한다.

이 그림은 초기 인상주의의 선언과도 같은 작품으로 평가받으며, 이후 모네가 본격적으로 탐구하게 될 시리즈 작업과 빛의 연구에 대한 서곡을 알린다. 현재는 파리 마르모탕 모네 미술관에 소장되어 있다.

수련 연작은 클로드 모네가 생애 후반 약 30년 동안 집중적으로 제작한 일련의 그림들이다. 이 작품들은 지베르니에 조성한 정원의 연못과 그 위에 핀 수련을 주제로 한다. 모네는 1890년대 후반부터 1926년 사망할 때까지 이 주제를 수백 점에 걸쳐 변주하며, 빛과 색, 물과 공기의 반사, 자연의 순간적 인상을 캔버스에 담아내는 데 몰두했다.

초기 수련 그림들은 전통적인 원근법을 따르며 연못 가장자리와 일본식 다리[5]를 포함하는 구도가 많았다. 그러나 시간이 지나며 그의 관심은 수면 자체와 그 위에 펼쳐진 빛과 색의 추상적 세계로 점차 초점이 이동했다. 캔버스는 수련과 하늘, 나무의 반사가 물 표면에서 만들어내는 색채와 형태의 융합된 이미지로 가득 채워졌다.

이 연작의 가장 주목할 만한 특징은 대규모 장식 연작이다. 특히 1914년부터 제작된 '수련' 대형 벽화 연작은 높이가 2미터에 달하며, 총 길이가 nearly 100미터에 이르는 방대한 작품군이다. 모네는 이 작품들을 오랑주리 미술관에 영구적으로 설치하기를 원했으며, 이는 그가 사망한 지 5개월 후인 1927년에 실현되었다. 이 '수련의 방'은 관람객을 완전히 둘러싸는 환상적인 수중 정원을 만들어낸다.

작품에서 구체적인 형태는 해체되고, 붓터치는 자유로워지며, 색채는 더욱 강렬해진다. 이는 후기 모네의 예술이 단순한 자연의 재현을 넘어, 순수한 색채와 빛의 경험, 그리고 관찰자의 주관적 감정을 환기시키는 방향으로 나아갔음을 보여준다. 수련 연작은 인상주의의 원리를 극단까지 밀어붙인 결과물이자, 이후 추상미술의 길을 예견한 중요한 업적으로 평가받는다.

루앙 대성당 연작은 클로드 모네가 1892년부터 1893년까지 루앙에 머물며 루앙 대성당의 서쪽 정면을 다양한 시간대와 날씨 조건에서 그린 일련의 유화 작품군이다. 이 연작은 총 30점 이상으로 추정되며, 모네는 대성당 맞은편 건물 2층에 아틀리에를 마련하고 여러 개의 캔버스를 동시에 작업하는 방식을 취했다. 그는 변화하는 빛이 건축물의 외관과 색채에 미치는 미묘한 영향을 포착하는 데 집중했다.

이 작품들에서 대성당은 단순한 고딕 건축물이 아니라 빛의 현상이 구현되는 매체로 재탄생한다. 아침 햇살, 안개 낀 정오, 오후의 따스한 빛, 저녁 노을에 비친 모습은 각각 전혀 다른 색채와 분위기를 연출한다. 모네는 건물의 세부적인 조각과 구조보다는 빛에 의해 해체되고 재구성되는 전체적인 색채의 인상을 캔버스에 옮겼다. 이를 위해 짧고 빠른 붓터치와 두꺼운 임파스토 기법을 사용하여 빛의 찰나적 느낌을 구현했다.

이 연작은 1895년 파리의 드뤼에 갤러리에서 20점이 전시되었을 때 엇갈린 반응을 불러일으켰지만, 모네의 방법론과 인상주의 이론의 정점을 보여주는 중요한 성과로 평가받게 되었다. 같은 대상을 놓고 무한한 변주를 창조해낸 이 연작은 이후 그의 수련 연작으로 이어지는 결정적인 단계가 되었다. 오늘날 이 작품들은 오르세 미술관을 비롯한 전 세계 주요 미술관에 분산 소장되어 있다.

건초더미 연작은 클로드 모네가 1890년대 초반부터 약 1년간 집중적으로 제작한 일련의 작품군이다. 이 연작은 프랑스 지베르니 인근 들판에 쌓인 건초더미를 주제로, 계절과 시간에 따라 변하는 빛과 색채의 효과를 체계적으로 포착한 실험으로 평가받는다.

모네는 같은 대상(건초더미)을 다양한 조건(아침, 낮, 저녁, 여름, 가을, 겨울)에서 반복적으로 그려냈다. 그는 여러 캔버스를 동시에 준비해 두고, 하루 중 빛이 변함에 따라 작업하는 캔버스를 바꾸는 방식으로 작업했다[6]. 이 과정을 통해 단순한 풍경 묘사를 넘어, 순간적인 빛의 인상과 색채의 과학적 관계를 탐구했다.

이 연작은 모네에게 상업적 성공을 가져다주었을 뿐 아니라, 그의 예술적 방법론을 확립하는 결정적 계기가 되었다. 하나의 모티프를 다양한 조건에서 관찰하고 기록하는 이 '시리즈 작업' 방식은 이후 루앙 대성당 연작과 수련 연작으로 이어지는 그의 후기 작업의 핵심이 되었다. 건초더미 연작은 인상주의가 단순한 야외 풍경화를 넘어, 빛과 색에 대한 철학적 탐구로 발전했음을 보여주는 중요한 사례이다.

클로드 모네는 1870년대 초반 파리에서 활동하던 젊은 예술가 그룹의 중심 인물이었다. 이 그룹에는 피에르오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬레, 카미유 피사로, 에드가 드가, 폴 세잔 등이 포함되었다. 그들은 공식적인 살롱 드 파리 전시회의 보수적인 심사 기준과 전통적인 미학에 반발하며, 새로운 방식의 회화를 추구했다.

이들은 1874년 4월, 파리의 나다르 사진관에서 독립 전시회를 개최했다. 이 전시회는 "화가, 조각가, 판화가 익명 협회 전시회"라는 공식 명칭을 가졌으나, 모네의 작품 〈인상, 해돋이〉를 본 비평가 루이 르루아가 그의 기사에서 이 그룹을 조롱하며 "인상주의자들"이라고 불렀고, 이 명칭이 정착하게 되었다[8]. 이 첫 전시회는 총 8회에 걸친 인상주의 그룹 전시회의 시발점이 되었다.

인상주의 그룹은 엄격한 단체나 선언문을 가진 조직이 아니었다. 구성원들의 예술적 접근법에도 차이가 있었으며, 일부는 "인상주의"라는 명칭 자체를 거부하기도 했다. 그러나 그들은 공통적으로 현대 생활의 장면을 묘사하고, 순간적인 빛과 색의 효과를 포착하며, 야외에서 직접 그림을 그리는 플레네르 방식을 중시했다. 모네는 이 그룹의 이론적 지도자라기보다는, 그의 작품과 지속적인 실험이 인상주의 미학의 상징이 되었다.

1874년 첫 번째 인상주의 전시회는 루이 르루아 같은 비평가들로부터 강한 조롱과 비난을 받았다. 르루아는 모네의 작품 《인상, 해돋이》 제목을 빌려 참가자들을 조롱하며 "인상주의자들"이라고 불렀고, 이 명칭이 이후 운동의 이름으로 굳어졌다[9]. 당시 비평계와 대중은 완성되지 않은 스케치처럼 보이는 그들의 붓터치와 색채 사용을 이해하지 못했다.

이러한 초기의 적대적 반응에도 불구하고, 모네와 동료들은 1874년부터 1886년까지 총 8회의 독립 전시회를 개최하며 자신들의 예술을 지속적으로 선보였다. 시간이 지나면서 에밀 졸라 같은 진보적 작가와 비평가의 지지가 점차 나타나기 시작했다.

1880년대 후반부터 상황은 점차 반전되었다. 미국과 유럽에서 열린 개인전과 단체전을 통해 모네의 작품은 경제적 성공을 거두기 시작했고, 비평적 평가도 호의적으로 변했다. 1890년대에 이르러 그의 《건초더미》와 《루앙 대성당》 연작은 예술적 성취로 인정받았으며, 모네는 인상주의의 대표적 거장으로 자리매김했다.

클로드 모네의 예술은 인상주의를 넘어 20세기 현대 미술의 여러 흐름에 지대한 영향을 미쳤다. 그의 빛과 색채에 대한 집요한 탐구, 그리고 대상의 고정된 형태보다는 변화하는 시각적 인상을 포착하려는 태도는 이후 예술가들에게 새로운 가능성을 열어주었다. 특히 추상표현주의 화가들에게 모네의 후기 작품, 예를 들어 대규모 수련 연작은 추상화로 나아가는 중요한 길목으로 인식되었다[10].

모네의 영향은 다양한 예술 운동에서 확인할 수 있다. 그의 시리즈 작업 방식은 동일한 주제를 다양한 조건에서 반복적으로 그리는 방법론으로, 후대 예술가들에게 주제의 변주에 대한 개념적 접근을 제시했다. 또한, 야외 작품을 통한 자연과의 직접적인 대면은 바르비종파와 같은 선구자들과 함께 풍경화의 위상을 높였으며, 이후 야수파와 같은 화가들의 대담한 색채 사용에 영향을 주었다. 그의 붓터치는 형태를 해체하고 순수한 색채의 감각을 강조했는데, 이는 점묘법을 사용한 조르주 쇠라와 신인상주의 화가들에게 간접적으로 영감을 주기도 했다.

20세기 후반과 21세기에 이르러 모네의 유산은 더욱 확장되었다. 그의 작품이 빛과 색의 물리적, 심리적 효과를 탐구했다는 점은 빛과 공간 운동과 같은 현대 미술 장르와 연결된다. 또한, 그가 평생에 걸쳐 조성하고 작품의 소재로 삼은 지베르니 정원은 예술가가 직접 자연 환경을 설계하여 하나의 살아있는 예술 작품으로 만든 선구적 사례로 평가받으며, 현대의 설치미술과 환경미술에 중요한 선례를 남겼다.

클로드 모네는 1883년 지베르니에 정착한 후, 자신의 집 주변에 광활한 정원을 조성하는 데 심혈을 기울였다. 이 정원은 단순한 취미 공간이 아니라 그의 예술적 실험과 영감의 핵심적인 원천이 되었다. 모네는 정원을 두 개의 구역으로 나누어 설계했는데, 집 앞의 꽃밭인 '클로 노르망'과 도로 건너편에 위치한 수련 연못이 있는 '수련 정원'이 그것이다.

클로 노르망은 화려한 색채와 다양한 꽃들의 조화를 통해 계절에 따라 변화하는 빛의 효과를 연구할 수 있는 살아 있는 팔레트와 같았다. 그는 꽃을 높이와 색채에 따라 군집으로 심어 마치 그림의 붓질처럼 배치했다. 더욱 중요한 공간은 1893년에 구입한 인근 토지를 개조하여 만든 수련 정원이었다. 모네는 여기에 일본풍의 다리와 버드나무를 배치하고, 연못에는 다양한 수련을 심어 완벽한 조화를 추구했다. 이 정원의 설계는 그가 수집한 우키요에 판화와 일본 정원의 미학에서 깊은 영향을 받았다.

이 정원, 특히 수련 연못은 모네 후기 작품의 절대적인 주제가 되었다. 그는 같은 장소에서 시간, 계절, 날씨에 따라 변하는 빛과 수면의 반사, 색채의 무한한 변화를 탐구했다. 정원은 그에게 자연을 통제하고 재창조할 수 있는 실험실을 제공했으며, 이를 통해 인상주의의 원리를 극한까지 밀어붙인 추상적 경향의 작품들을 탄생시켰다. 지베르니 정원은 모네의 예술 세계를 완성하는 동시에, 자연과 예술이 하나가 되는 공간이었다.

클로드 모네는 1883년 지베르니에 정착한 후, 1890년대부터 집과 정원을 본격적으로 확장하고 조성하기 시작했다. 특히 1893년에는 인근 루 강의 지류를 끌어들여 수련이 자라는 연못을 조성하는 대규모 공사를 단행했다. 이 수련 연못은 일본식 다리와 다양한 수생 식물들로 꾸며졌으며, 모네의 후기 예술 세계의 핵심적 모티프가 되었다.

수련 연작은 1890년대 말부터 시작되어 모네가 사망할 때까지 약 30년에 걸쳐 제작되었다. 초기 작품들은 연못 주변의 풍경을 포함했으나, 점차 화면을 수면과 수련, 하늘과 나무의 반사된 이미지만으로 채우는 구도로 진화했다. 모네는 이 연작을 통해 빛의 변화와 수면의 반사, 색채의 순수한 인상을 끝없이 탐구했다.

이 작업은 단순히 동일한 대상을 반복적으로 그리는 것이 아니라, 계절과 시간대, 날씨에 따라 무한히 변하는 빛과 색, 그리고 수면에 비친 세계의 환영을 포착하려는 집요한 시도였다. 특히 말년에 제작된 대형 《수련》 연작은 전통적인 원근법을 해체하고 관객을 색채와 빛으로 이루어진 환경으로 감싸 안도록 설계되어, 추상화로 가는 길을 열었다는 평가를 받는다.

1980년에 설립된 클로드 모네 재단은 화가의 생전 거주지였던 지베르니의 집과 정원을 관리하고 대중에게 공개하는 것을 주요 목적으로 한다. 재단은 모네가 직접 설계하고 가꾼 정원의 원래 모습을 복원 및 보존하고, 그의 작품 세계를 연구하며, 방문객들에게 예술적 영감의 장소를 제공한다.

재단은 정원의 복원 작업을 위해 역사적 사진, 모네의 서신, 당시의 식물 목록 등을 참고했다. 특히 수련이 자라는 연못과 일본식 다리는 모네의 후기 대표작인 수련 연작의 실제 배경으로, 가장 신경을 써서 관리하는 공간이다. 재단은 매년 수십만 명의 방문객을 맞이하며, 이는 모네의 예술이 여전히 현대인들에게 깊은 공감을 불러일으킨다는 증거이다.

재단은 단순한 기념관이 아닌 살아있는 예술 공간으로 기능한다. 정원은 계절마다 다른 모습을 보여주며, 이는 모네가 평생 탐구했던 빛과 계절의 변화를 체험할 수 있는 기회를 제공한다. 또한 재단은 전시회, 콘서트, 교육 프로그램을 정기적으로 개최하여 모네의 예술적 유산을 확장하고 있다.